作为艺术爱好者，你觉得，有哪些基础知识，是摄影、油画、国画、书法都通用的呢？如何评价被称之为“神秘画家”的乔尔乔内的艺术风格

本文目录

• 作为艺术爱好者，你觉得，有哪些基础知识，是摄影、油画、国画、书法都通用的呢
• 如何评价被称之为“神秘画家”的乔尔乔内的艺术风格
• 西方艺术家米莱的油画画风有什么特色
• 画家丁托列托油画《浴后的苏珊娜》，如何理解这幅画的独特风格
• 17世纪文艺复兴时期著名的音乐家和画家有哪些
• 欧洲文艺复兴时期的油画表现的是“人与自然”，为何画家还画那么多神话故事人物
• 给艺术品中**部分打马赛克，大家怎么理解
• 作为艺术爱好者，你认为油画艺术中的风俗画和风景画，有什么不同
• 西方画家伦勃朗的油画作品对当代艺术有哪些影响
• 作为艺术爱好者，你认为国画艺术作品的“线条”和油画艺术作品的“线条”有什么差异

作为艺术爱好者，你觉得，有哪些基础知识，是摄影、油画、国画、书法都通用的呢

自从地球上诞生了人类以来，人类在生存、发展的漫漫长河中，发现了美，认识了美，追求着美。

摄影、油画、国画、书法无不以追求这个“美“而跟随着社会发展的步伐前进。

如何评价被称之为“神秘画家”的乔尔乔内的艺术风格

乔尔乔内并不神秘，但不能否认他是一个天才的画家。

乔尔乔内(1577一1610)，是文艺复兴时期意大利威尼斯画派的重要代表，威尼斯画派“三杰”之一。乔尔乔内虽然只在世32年，留下的作品也不多，但他却是一个具有开创性意义的画家，他最重要的贡献就是把人物风景画中的风景置于更突出的地位，而且在色彩运用上大胆丰富饱满，使画面看上去更加柔和、明快、亮丽、和谐，更加世俗和接地气，更加富于想象力，彰显了“人文主义”的精神内核。乔尔乔内的作品对后来西方绘画的影响是深远而巨大的。

乔尔乔内《暴风雨》

相信很多油画爱好者和我一样，是通过那幅经典名画《沉睡的维纳斯》而知道乔尔乔内的。这幅画是乔尔乔内在世时的最后一幅画作，也最能代表乔尔乔内的风格技巧和水平。画面中，在舒旷怡然的自然景象中，希腊神话中的美丽女神维纳斯沉静地躺卧在露天的一张大床上，姿态舒展优美，神情淡定自如。她看上去睡得很香，仿佛在做着一个甜美的梦。远方，悠悠的蓝天白云、朦胧的山丘、树木和房屋，近处，开阔的绿地和葱葱的草坪等等，这些美丽的自然景观和画中央沉睡中的女神维纳斯是那么完美和谐地融合在一起，组成一幅人与自然和谐相处“天人合一”的美丽图景。看到这幅画的人，没有谁会把画中的维纳斯真当成神仙，她就是世俗中的妙龄青春女子。而秀美的自然风景使这幅画又平添了几分诗情画意。真是太美了。这就是乔尔乔内的画风特色。

乔尔乔内《三个哲学家》

如果说以达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔为代表的佛罗伦萨画派使油画绘画从内容到形式上前进了一大步，那么乔尔乔内则是在此基础上对古典写实艺术作了进一步的可以说是创造性的完善，而乔尔乔内最好的朋友也是乔尔乔内的师弟提香在乔尔乔内之后成为威尼斯画派的集大成者。

提香《照镜子的维纳斯》

谢谢题主诗夜城主的邀请。

西方艺术家米莱的油画画风有什么特色

我知道的西方叫“米莱”的画家”有两位，一位是十七世纪的法国风景画家弗朗西斯科•米莱，还有一位是英国十九世纪的拉斐尔前派创始人之一的约翰•埃弗里特•米莱。

我们就来聊一聊距离我们近一点的这位英国米莱吧。

童年的米莱受父亲的影响喜欢上了绘画，9岁便进入绘画学校，11岁入英国皇家美术学院，妥妥的一个绘画神童，19岁获得学院的金奖并有机会去意大利学习。

尽管米莱出身名门望族，后来又被授予男爵称号，但他的画大多描绘现实人间的苦难，作品中总是渗透着一种伤感的情绪，如他的作品《奥菲丽娅》和《盲女》。即使是以爱情为主题的作品同样也是悲怆的，如《爱情的终极》。

米莱用诗意的带着淡淡忧伤的画风来表现社会底层人们的生活，那些人物和场景会久久地留在你的心里，挥之不去……

（配图是米莱的代表作：1.《盲女》，2.《**在父母家中》，3.《玛丽安娜》。）

画家丁托列托油画《浴后的苏珊娜》，如何理解这幅画的独特风格

首先我们来了解一下作者丁托列托：

丁托列托是提香的学生，这一名字是染匠的意思，他的父亲就是一位染匠。

他生活在文艺复兴时期的威尼斯，是威尼斯画派的重要人物，当时的威尼斯一直是地中海沿岸的主要港口，又是通往东方的门户，贸易发达，经济富庶。同时，这里又远离政治中心，加之有一种田园或牧歌式的简朴与宁静，遂造就了艺术更富有诗意，更富有想象力，并因此形成了独特的威尼斯画派。

《浴后的苏珊娜》（作品别名：浴后苏珊娜、入浴的苏珊娜）是丁托列托于1557—1560年间创作的一件油画作品。

在16世纪50至60年代，丁托莱托的绘画在充满感人的悲剧力量的基础上，又添加了诗意的境界。这是他加强宗教或神话人物所热烈追求的生活美的结果。

传说中苏珊娜天生丽质，一天她正在自家花园中沐浴，不料被两个年长的好色之徒偷窥，在玷污企图遭拒绝后，两个恶人却反诬苏珊娜不贞。此事最终为先知但以理洞悉，恶人被判烙刑，苏珊娜冤情得到声张。

丁托列托的创作忠于传说：画中苏珊娜正在沐浴，光彩照人；同时，两个偷窥者亦被照实搬入。污浊的身影与纯洁美丽的苏珊娜形成了鲜明的对比。

画作里的的苏珊娜是以细腻、娇美的**形象展现的。熟练的油画技法使丁托莱托这件创作具有意大利古典美的风格，晦暗的棕褐色背景，加强了**身上的柔和色调，她那肌肤的银灰、粉红与天蓝色使她那丰艳的凝脂般的肉体栩栩如生。

在淡淡的阴影笼罩下，呈现了这个女性肌肤的柔滑感。前面那条淡蓝中夹杂着翠绿的浴巾，由于富有情趣的褶襞，把苏珊娜那青春的气息映衬得更加自然。她在夹道树木的橄榄阴影里，一脚伸入平静的小溪流里，对面树丛的玫瑰花射出绛色与紫色光芒，远处有纤细的小杨树，调子轻淡，因为那是花园的亮处。美女跟前的镜子、珠翠、胸衣、香水瓶和化妆品之类，在水与镜子的反射中闪烁着若隐若现的寒光。画家蓄意在为这个悠闲的美人低声吟唱，用饱满的笔触与恬静的感情赞美着这诗一样的场面。

按照传说，画家在左角树丛下面添画出鬼鬼祟祟偷看美女的那老头的秃顶，还在后景左边的树丛边画了一个暗觑的鬼头鬼脑的老人站像。这两个细部完全破坏了画面的整体情调，它们大煞风景，使美的情景横遭亵渎。金发的苏珊娜的惊人之美，与左边两个不规矩的老人的丑态构成了不和谐音。

这幅作品现藏于奥地利维也纳艺术史博物馆，奥地利还专门为此画发行邮票，足以证明其在艺术史上的价值。

17世纪文艺复兴时期著名的音乐家和画家有哪些

确切地说，文艺复兴发生在14——16世纪，前后共经历200余年时间，到17世纪初期时，文艺复兴已经结束，整个17世纪，是巴洛克艺术风格盛行的时代。

巴洛克艺术风格具有以下特点。

一，喜欢表现生命的激情，旨在打破文艺复兴时期那种宁静和谐的特点，具有鲜明的浪漫主义色彩。

二，作品格调奢华大气，具有强烈的装饰效果。

三，在作品中强调动感和变化。

四，注重触类旁通，常常把几门艺术形式综合起来进行创作，比如，体现在建筑上，常常把雕刻和绘画综合运用其中。

五，具有浓郁的宗教情节，常常以宗教题材作为创作的元素。

鲁本斯《丘比特与维纳斯》

在绘画领域，有代表性的画家主要有，德国籍著名的巴洛克绘画大师鲁本斯（1577年——1640年），法国古典主义著名画家普桑（1594年——1665年），荷兰伟大画家伦勃朗（1606年——1669年），西班牙著名画家委拉斯贵支（1599年——1660年）。

在音乐领域，最有代表性的人物无疑是德国音乐大师巴赫（1685年——1670年）。

鲁本斯《强劫留西帕斯的女儿》

鲁本斯是德国美术史上最伟大的画家，擅长肖像画，他把文艺复兴时期精确的造型技巧和德国民间美术结合起来，喜欢刻画具有动感的人物形象，注重挖掘人物身上的生命激情，设色大开大合，色彩丰富饱满，笔触奔放肆意，气势恢弘壮阔，具有极强的视觉冲击力。

鲁本斯的绘画风格，直接影响了后来的浪漫主义和印象派。代表作品有《强劫留西帕斯的女儿》、《美惠三美神》、《丘比特与维纳斯》等。

普桑《诗人的灵感》

普桑被誉为法国古典主义绘画的创始人，他的作品大多取材于神话故事，宗教故事和历史事件，常常以素描技巧来完善作品的造型，以理性的哲学思维来构建作品的内涵，在造型上精益求精，具有雕塑般的质感。注重在作品中凝注崇高、庄严、静穆的情怀，代表作品有《阿卡迪亚的牧人》、《花神王国》、《诗人的灵感》、《所罗门的判决》等。

伦勃朗《等待的莎拉》

伦勃朗是荷兰历史上影响最大的画家，在绘画上是一位全才，肖像画，风景画、宗教画，风俗画都很擅长，在肖像画上的成就最高。他常常通过光影明暗和色彩浓淡的变化，来揭示人物的内心活动。

他在绘画上的最大贡献，就是发明了“伦勃朗光线”，在一幅作品中，让亮光在主画面形成一个光圈，光圈内光线明亮，光圈外的光线灰暗，形成了鲜明的对比，具有若隐若现的朦胧感，代表作品有《夜巡》、《浪子回头》、《等待的莎拉》、《达娜厄》等。

委拉斯贵支《女裁缝》

委拉斯贵支出生在西班牙塞维利亚，以肖像画著称，代表作品有《纺织女》、《宫娥》、《女裁缝》、《镜子前的维纳斯》等。

他的作品有着严谨的造型，给画面中色彩的把控非常成功，虽然是宫廷画师，却常常以普通大众作为绘画题材，在西班牙民间有很高的威望。

同时，他是西班牙历史上第一个画人体油画的画家，曾引起很大争议，作品是《镜子前的维纳斯》。

巴赫

巴赫是德国音乐史上伟大的音乐家之一，被誉为“西方近代音乐之父”，同时是管风琴演奏家，他的音乐作品表现手法丰富，既有民谣的欢快，也有宗教音乐的庄严，常用悲壮深沉的旋律，抒发对美好生活的向往之情，具有很强的感染力。

《勃兰登堡协奏曲》，《马太受难曲》，《平均律钢琴曲集》、《法国组曲》、《英国组曲》等。

欧洲文艺复兴时期的油画表现的是“人与自然”，为何画家还画那么多神话故事人物

（提香.巴克斯酒神与阿丽亚娜）

感谢邀请。

哈哈????，题主你真逗，既然叫“文艺复兴”，复兴什么呢？不就是古希腊罗马文化吗？古希腊罗马的文化都有什么？神话是一大块儿内容呀。

这是文艺复兴绘画中，神话故事题材比较多的第一个原因。

第二个原因，文艺复兴时期的绘画，很大一部分，画在教堂的穹顶；或者大型建筑，比如皇宫、公共设施的穹顶和墙壁，在这样的地方作画，以古希腊罗马神话作为题材，既不会受到教会的激烈反对，又真正起到了抑制宗教题材，以“人和自然”为中心的目的。

纯粹的以“人和自然”为题材，不仅平淡，也不会被“业主”所接受——不是著名题材不行。

（哥特式绘画：史提芬.洛赫纳.圣婴的礼拜）

一，文艺复兴时期的绘画，是以哥特式风格时期的绘画作为起点的。

哥特式艺术，起源于偏僻的阿尔卑斯山以北地区。

1140年以后，从法兰西开始，传播到整个欧洲。

就哥特式绘画来说，只在意大利搞得“风生水起”，雄伟教堂里的哥特风格壁画绝无仅有，而且进入了城堡、贵族豪宅以及市政大厅。

这恰恰为紧接着的文艺复兴绘画，打下了基础。

哥特式绘画的特点，一是内容优雅、美丽、安宁，极少表现罪恶、痛苦和庸扰。二是大部分哥特式绘画在形式上追求一种非现实的、梦幻般的意境，粗旷而又和谐，奇妙但且写真。

（哥特式绘画）

二，文艺复兴风格时期绘画的特点。

文艺复兴，发轫于15世纪的佛罗伦萨，16世纪初，重心转移到了罗马。

这个时期绘画的特点，一是再度运用千余年前的古典艺术形式。二是“透视法”这种新技巧诞生并被广泛应用——即运用绘图及严格的数学规则，将现实景物以非常高的准确度，重现于画布或其他媒介物之上。

没有哪个时代，像文艺复兴时期，产生了如此多的西方绘画大师——比如，赫赫有名弗朗西斯科、安基利科修士、波提切利、曼坦尼、达芬奇、米开朗基罗、梅西那、提香。还有马萨乔、彼鲁吉诺、拉斐尔、贝里尼一家、吉奥乔尼、乌切罗、李比、图拉、卡巴齐奥等等。

在意大利半岛之外，阿尔卑斯山以北，也涌现了诸多绘画大师——在德意志，有杜勒、克拉纳赫；在尼德兰，有凡.艾克等等。

（贝里尼.神的庆典）

三，文艺复兴风格的绘画，是个百花齐放的季节。

这个时期大师云集。有人将这些大师大致划分为两个“流派”——

一个流派，被称为“前卫派”。

这个流派的画家，都以全新的方式来表现人——人物的丰满是基本特征。这个流派的创始人是马萨乔。弗朗西斯科、提香和米开朗基罗都是代表人物。米开朗基罗是这个流派的高峰——他以描绘丰满的、健壮的、结实的、英雄式的人体，作为首要旨趣。

另一个流派，被称作“保守主义”。

他们遇到的难题，是如何超越前人的成就，于是反而采取了“保守的策略”。这个流派的特点，是“优雅”，以安基利科修士、波提切利、克拉纳赫等为代表。他们强调严肃、雄伟和隐含在画布上的力量。

但是这两个流派，都将大自然引入了画作；全都展现了精确的透视法；讲究画作的布局规划。

要说的是，很难把达芬奇归入这两个流派中的任何一派。他拥有自己独特的绘画技法——精巧地运用明暗对比；将科学研究完美地融入绘画——这种技法，被称为“朦胧画法”。

（达芬奇.朦胧画法示意）

四，文艺复兴时期的绘画，最核心的特色是“自由”。

“自由”，是文艺复兴绘画中最典型的特色和最重要的内容。在绘画内容上，“自由”。绝不限于宗教的题材。重要的“突破口”，就是一文艺复兴的名义，大画特画神话题材。

同样，“自由”也渗透进绘画艺术的表现形式里。比如，人物图像，往往是经过组合而成的，加上最重要的透视法的运用，带来了前所未有效果。

这种“自由”，恰如黑格尔在《美学》一书所概括的——

第一，“在绘画中，外在的事物不再凭它的实际存在而独立生效。内在精神用外在事物的反射表现出来。绘画使它的题材展现在平面上，这平面可以独立地造成环境背景以及各种牵连和关系。”

第二，绘画艺术和其他艺术一样，不应该是简单的摹仿；艺术美应该高于自然美；艺术美应该体现人的精神世界。

这是文艺复兴时期绘画“自由”所表现的精髓。

（乔尔乔内.暴风雨，局部——大自然的加入，注意上部的暴风雨）

五，文艺复兴绘画的成就，与油画的发明分不开。

据传，是尼德兰的凡艾克兄弟发明了油画。

在这之前，西方原来更多的绘画是壁画——在潮湿的墙壁上作画。

现在能见到的西方最早的油画，是凡.艾克兄弟1432年画的根特祭坛画。

原来，绘画的技法很笨拙——一般是先在一块木板上蒙一层亚麻布，然后涂上加入胶的石膏，再由徒弟或小工打磨，标准是打磨得和光洁的大理石没区别。

这时，可以在上面勾勒草图；正式开画前，还要用绿色或棕色打底。待干燥后，使用以鸡蛋清和醋调制的颜料，就可以画了。

这种技法，最大**是不可修改；而且，时间稍长画作会褪色。

（达芬奇.玫瑰经的节庆——在绘画复杂布局中的几何布局规则）

凡.艾克兄弟改进了颜料，用亚麻籽油代替了蛋清和醋。

这是所谓“油画”的由来。

由此，油画的表现力更强了；可以涂改了；还能够长时间鲜艳如初。

这曾使凡.艾克兄弟的画技大幅提高，自此创作了大量包括人物肖像画在内的画作。

他俩之后，布鲁塞尔的韦登、胡斯；尼德兰的戴维；德国的梅姆灵都是精于调兑颜料的高手画家。

这之后，油画越来越成气候了，为文艺复兴的画家们创造了更好的绘画硬件条件。

给艺术品中**部分打马赛克，大家怎么理解

这问题！就向牧场的牛，吃饱喝足后听见的只是单调乏味哞… 哞… 哞哞的叫声。没有新意！艺术作品上再附马赛克，是画家创造作品时本真心愿？马赛克表现了中国传统文化和西方传统文化的冲突和对立。退一步讲，则是缺乏对高雅艺术作品良好的鉴赏能力。欣赏优秀作品的视觉应该是宽范**度的，应该是自然松弛的。见到模糊的马赛克则见到他们的故弄玄虚和欲盖弥彰。

建议把我们那幅传统医学挂图再加上一块遮羞布。

作为艺术爱好者，你认为油画艺术中的风俗画和风景画，有什么不同

你好亲，很开心回答你的问题

油画艺术中的风俗画，风景画，有什么区别？

个人拙见，可以从创作思想，创作技法，创作风格来说明，风俗画，风景画的不同

一 从风俗画，风景画的定义，说明风俗画，风景画的创作思想的不同

风俗画，是客观的观察视角，真实表达一个时代，一个国家，一个地域的社会风气，习俗，风土人情，不会如同文艺复兴时期，宗教画，赋予宗教气息，也不会如同文艺复兴时期的作品，刻意修饰生活，达到理想美，完美化的神圣境界

风俗画的风格，表达平凡，真实

如荷兰小画派画家维米尔，用画笔，真实再现17世纪荷兰，小镇市民悠远，宁静的平凡生活

北宋画家张择端，创作的历史风俗画《清明上河图》，真实再现宋徽宗时期，清明节开封的郊区，自然景象，城内建筑民生的繁华景象。

汉代画像砖，生动再现了汉代农耕，收割，打猎，重视农业的风俗。

巡回画派列宾的作品《伏尔加河上的纤夫》，真实再现俄国当时的社会现状，下层人民艰难的生活。

风景油画，是描绘自然景物题材的油画，在西方美术史上，早期绘画创作一直是风景作为人物陪衬的地位，自威尼斯画家乔尔乔内创作了油画《暴风雨》，风景画的地位才受到重视

西方美术史上，优秀的风景画家是印象派画家，莫奈，高更，梵高，康斯太勃尔，柯罗，弗里德里希等等

二 从创作风格的不同来说明，风俗画，风景画的不同

由于之前提过，风俗画，是以客观的视角，真实再现一个国家，地域，时代的社会习俗，风土人情

客观的视角，就是真实再现，不是新古典主义油画般，宗教画，宫廷绘画，加以粉饰，达到理想化境界

所以，客观的视角，如同画家米勒，库尔贝，创作注重体现下层人民群众的生活状态

风俗画，真实客观再现，风景画，可以主观化的个性化艺术语言表达，如梵高，苏丁，塞尚的风景画，有很强的主观个性化的艺术表达

风俗画，贴近生活，贴近大众，接地气，没有古典油画圣洁，崇高的理想美气息，也没有宗教画神圣庄严，严肃的气息。

而风景画，可以表达浓厚的宗教气息，比如风景画家弗里德里希的风景画，赋予严肃，神秘的宗教气息。

三从创作技法的不同，说明风俗画，风景画的不同

风俗画，由于是客观视角，真实再现画家所处时代的社会风气，风土人情

社会风气，风土人情的真实状态，画家必须真实表达

所以风俗画，个人拙见，无论是西方美术史上，还是中国美术史上，风俗画，多采用写实客观的手法表现

而风景画，可以采用写实，写意，抽象，印象派的艺术表达形式创作

如康斯太勃尔，希什金，列维坦，以写实的风格技法创作风景画

如画家透纳以写意的风格创作海景风景画

如莫奈，毕沙罗，西斯莱，梵高，以印象派手法创作风景

如苏丁的抽象，表现性的手法创作风景

回答完毕

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西方画家伦勃朗的油画作品对当代艺术有哪些影响

如生活般自然的戏剧——浅析伦勃朗的油画艺术对当代艺术的启示

伦勃朗是17世纪欧洲最伟大的艺术家之一，一生留下了600多幅油画、300多幅蚀版画和2000多幅素描，这其中大多都是关于肖像画和历史题材的作品。这其中单自画像就多达100多幅，他被尊为改变艺术史上人物肖像绘画的先驱，同时他也被世人称为油画艺术的“现实主义之父”。

——伦勃朗作品《阻止献祭》

伦勃朗以他独特的个人风格和艺术语言的表达方式，以及他对光色、技法的运用上都达到了前人无法企及的领域和深度，对于当代艺术而言有着极其深远的影响。

——伦勃朗作品《扮作败家子的伦勃朗和萨斯基亚》

一、最负盛名的“伦勃朗式用光”

伦勃朗对光线的驾驭能力可以说是登峰造极，他利用光线来强化画中的主要部分，通过暗部弱化或是消融次要部分，这是伦勃朗独创的技法，他以独具特色的光影效果，开创了令人叹为观止的戏剧性绘画。

——伦勃朗作品《**耶稣在以马忤斯的晚餐》

为服从画面效果，他设置的光源从单点到多点光源，画中的人物或者主题物象都可成为光源的来源。经过谨慎的、苦心经营对光的处理，让画面的戏剧化冲冲突具有强烈的视觉冲击力。

——伦勃朗作品《从十字架上降下**耶稣》

在他的肖像画创作中，无论是正面还是侧面用光，都会在面部形成一个倒三角式的高光区，这样的表现让人物具有强烈的体积感和明暗对比，可以更好地刻画人物的表情神态，营造了一种有别于日常生活的戏剧感和舞台感，人们把这种用光手法称作“伦勃朗式用光”。如今这成了摄影领域的一个专有名词。

——伦勃朗作品《苏珊娜和长老》

他利用光线来刻画人物的性格特征，在运用光影来诠释人性方面堪称一绝，为达到不同的表现目的，顶光、侧光、聚光、底光都成了表达的工具。他用柔和、温暖的光线描绘***，用聚光来揭示暴力丑恶，用昏暗的光刻画人间苦难，用散射的光线表现宗教的神秘，充分把握和展现出了光线的象征之美。《夜巡》就是完美体现伦勃朗油画光影艺术的最经典的作品。

——伦勃朗作品《夜巡》

二、创作中完美的瞬间表达

伦勃朗是一位拥有超凡技艺的画家，同时也是善于发掘人物内心世界的艺术家。他总是能抓住最适合表现主题的时刻，除了在题材上反映出人性的戏剧冲突，伦勃朗在画面瞬间的选择也是恰到好处，如《浪子回头》。在艺术创作的表现中，**来临之前的“顷刻间”是最具有包容性的，能总结之前的情节，让画面汇聚定格在某一点，对事件进行集中表现，并让这个瞬间承载叙事的全部，成为叙事的主要载体，同时在这最具有艺术表现力的瞬间，也让画面散发出强烈的感染力。

——伦勃朗作品《浪子回头》

三、高超的绘画技能

伦勃朗的绘画艺术之所以能有如此的成就，也得益于他将高超的绘画技法和艺术情感的完美结合。在创作中，伦勃朗使用叠色法和明暗对比法，他巧妙地利用色彩的透明度，叠加形成复色，展示画面的冷暖和纯度的变化，给人一种神秘而又辉煌的视觉体验。

——伦勃朗作品《音乐寓言》

伦勃朗的油画中，笔触和肌理被诠释的淋漓尽致，他的笔触简约却不失复杂多变、率性却不松散，显得十分的自然、飘逸，带有强烈的节奏和层次的美感。有人评价伦勃朗的绘画“粗犷”和“有失文雅”，这是因为他的作品上堆积了厚厚的颜料和明显的笔触，甚至频繁地使用调色刀和手指为浓稠的颜料塑形，但在今天我们能够意识到，这是正是令绘画本身具有被审视和欣赏的最大价值。

——伦勃朗作品《伯沙撒的盛宴》

结语

相较于西方的油画艺术，我们中国的油画显得底蕴不足，除了绘画技法和制作步骤不够完善之外，还缺少在创作过程中的独到见解。伦勃朗的油画气势恢宏、壮观，运用的艺术表现语言风格多变而不失优雅之风。他的创作思想独具风格，见解独特，他的很多方面都值得后人去学习和效仿，对于现代油画艺术创作着仍然具有现实的教育意义。

——伦勃朗作品《暴风雨中的的**》

19世纪法国批评家波德莱尔曾用“如生活般自然的戏剧”来评价伦勃朗的绘画。伦勃朗借用光线、空气、阴影等不可捉摸的视觉特征。在光的剖析下，作品中人物的外表细节全部消散，袒露出的是精髓和灵魂，创造出如梦如幻的戏剧化画面，仿佛时刻都在提醒观者，这不是真实的生活，而是精心安排的场景。这正应了”艺术源于生活，却又高于生活“的说法，同时这也是区别平庸与伟大的关键所在，是我们从伦勃朗身上得到的另一方面的启示。

——伦勃朗作品《巴兰的驴子》

不同的视角，互通的视界，我是魔韵，欢迎同道互动关注交流。

作为艺术爱好者，你认为国画艺术作品的“线条”和油画艺术作品的“线条”有什么差异

你好亲，很开心回答你的问题

对于油画表现因素，丰富多彩，线条，笔触，色彩，造型，肌理

对于国画的表现因素，画家面临自然山川，花鸟，人物，把自己的主观情感融化为线条的韵律节奏，笔墨的干湿浓淡，运笔的抑扬顿挫，留白的意境

线条，是绘画中很重要的表现因素，关系到一幅画面的视觉张力，艺术效果

中国美术史上，擅长运用线条作画的画家无疑是吴道子

吴道子运笔的线条，特别是作品《送子天王图》，其线条的韵律，节奏，抑扬顿挫，轻重缓急，构成了独特的吴带当风

吴带当风，如同线条被风吹动，每一根线条都有转折变化，如同被风飘动的一带一般流畅，轻快

还有东晋画家顾恺之，画笔下的线条，形成了春蚕吐丝的线条

春蚕吐丝，一根均匀的细线，绵延不断，婉转柔细

春蚕吐丝的线条，均匀缓慢，婉转柔细，而吴带当风的线条，气势如暴风雨般地飞动

西方美术史上，绘画艺术以油画为主

而传统写实的油画，比如佛罗伦萨画派，新古典主义画派，浪漫主义画派，都是以客观写实的绘画表现手法创作

中国画，提倡以线造型

但是传统写实的古典油画，由于要在画布上客观再现物象，客观再现三维立体的真实空间

所以传统写实油画，提倡以面造型，而不是以线造型

因为油画中以线条造型，不能真实再现油画中的写实效果

而中国画，本身不注重形似的写实，注重笔墨，线条，留白的艺术处理营造的画面意境，表达画家的主观情感

西方美术史上，油画流派，直到印象派时期，科技进步，相机出现，画家创作才开始逐渐突破客观写实的束缚，比如莫奈的作品《日出印象》，其松散的笔触，豪放的色彩，挥洒日出瞬间的朦胧的色彩印象

莫奈的《日出印象》，说明油画已经可以突破传统写实的束缚

所以西方美术史上，德加的油画作品，德加画笔下的芭蕾舞女，说明德加善用线条的韵律，营造舞女曼妙生动的舞姿

自油画传入中国，许多画家运用西方油画材料，营造蕴含中国画的主观情怀的写意意境，形成意象油画

女画家闫平，个人拙见，是一位擅长在油画创作中，表达中国线条美的画家
闫平挥洒的线条，豪放而极度有张力，闫平以书入画，画中书写式的线条，构成画面豪放苍劲的张力

个人拙见，中国画注重线条的艺术美感，而油画中的线条，是针对意象油画，抽象油画的艺术语言，写实古典油画以面造型，是不存在线条的

国画，油画中的线条，有什么区别？

个人拙见，国画中的线条，相比油画中的线条，更加讲究气韵

油画中的线条，不如国画中的线条，那么讲究轻重疾徐，行顿转折形成的韵律美，不如国画线条那么讲究其中的粗细，繁简，干湿浓淡与虚实形成的节奏美感

油画靠色彩取胜，国画是线条，笔墨，韵律，气韵取胜，所以国画特别注重线条的美感，特别是工笔画

我是艺术狂人，从事少儿美术教育，如有美术，美术教育的疑问，欢迎私信

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